James Cotton
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Robert Johnson
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Génial musicien et artiste charnière dans l’histoire du blues, Robert Johnson a concentré dans 29 titres, au milieu des années 30, l’essence même du genre et ouvert la voie de la révolution musicale populaire du 20ème siècle.

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Son House
The Original Delta Blues

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Enregistrement : 12 au 14 avril 1965

Parution : 1965 (titres 1 à 9) 1992 (titres 10 et 11) 1998 (titres 12 à 14)

Label : Mojo Workin

Personnel : Son House (chant, guitare), Alan Wilson (guitare, harmonica sur titres 5 et 9)

Son House. Pensez donc, Son House ! Rien que prononcer son nom, c’est déjà comme franchir un passage. Son House, l’homme aux basques duquel était pendu un gamin nommé Robert Johnson. Celui qui envoyait gentiment paître le môme d’Hazelhurst parce qu’il ne jouait pas assez bien. Eddie John, dit « Son », House qui a puisé son blues directement à la source.

Il y avait bien eu les faces Columbia de 1930, puis celles qu’Alan Lomax avait gravées en 1941 avec l’équipement de fortune qu’il trimballait dans les campagnes du vieux Sud. Mais à l’époque les premiers n’avaient pas quitté le rayon « race records » et les seconds avaient surtout servi à compléter la collection folklore de la Bibliothèque du Congrès. Cette fois, à 62 ans, Son House est appelé à témoigner une dernière fois, pour l’histoire. Et tant mieux, parce ce que les microphones sur lesquels le vieux maître reprend ici l’essentiel de son répertoire ont bien progressé entre temps.

Alors bien sûr, les années ont passé et le House qu’on entend ici n’est plus le tumultueux bluesman qui faisait la loi avec Charley Patton et Willie Brown dans les joints du Delta. En 1965, alors qu’il quitté le métier depuis plus de vingt ans et plus touché une guitare depuis la mort de son ami Willie, Son House a quelque peu simplifié son jeu. S’il n’en a pas retrouvé toute la vélocité, il en a conservé la fougue et sa voix enflammée, comme ses élans de prêcheur, ont gardé intact ce pouvoir de vous saisir tout entier et de vous secouer l’âme.

Même érodée par le temps, l’intensité insufflée par le chant habité de Son House demeure suffisante pour tout de suite comprendre que c’est de çà que tout était parti, tout ce feu formidable qui a semblé d’un coup embraser la musique des années 60. D’ailleurs, à ce moment là de l’histoire, c’était peut-être mieux ainsi. Mieux pour ce public blanc, qui découvrait le blues, d’entendre un Son House dont le fer était un peu émoussé. Il n’est pas sûr, malgré toutes leurs bonnes intentions, que ces jeunes intellectuels du folk boom aient pu d’emblée supporter la véhémence de son jeu originel.

Dans se version initiale l’album produit par John Hammond et Frank Driggs contenait seulement neuf titres. Il s’agissait d’un des premiers 33 tours où le country blues pouvait retrouver sa liberté d’expression avec des titres dépassant la durée standard (ici on frôle parfois les dix minutes). Ne serait-ce que pour cette raison, aux USA en 1965, enregistrer ce disque c’était un peu l’équivalent du premier tournage d’un western en décor naturel. Et en plus, là, le personnage était totalement vrai.

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Enregistrement : 1970 et novembre 1972

Parution : 1992

Label : Fan Club Records

Personnel : Luther « Snakeboy » Johnson (guitare, chant), Frisco (lead & rythm guitar), Tony Cagnita (harmonica), Again Tuffie (batterie), Jamie Newell (batterie), Carter (basse)

Le genre d’album qui se loupe facilement mais qui ne quitte plus le dessus de la pile une fois découvert. Un autre de ces ex-accompagnateur de Muddy Waters qui a bien retenu les leçons du maître.

Voilà le genre d’album archi confidentiel, monté avec les moyens du bord par quelques passionnés des multiples répliques que le séisme Muddy Waters n’en finissait toujours pas de semer, vingt ans après, dans les faubourgs de Chicago, un disque reconstitué à partir de prises studio moitié oubliées, mais un disque qui vous saisit immédiatement comme si tout avait été concentré là, dans cette poignée de blues gonflés à bloc.

Arrivé jusqu’à ce « They Call Me The Snake » – déjà le titre, un vrai régal – n’est pourtant pas une mince affaire.

Il faut d’abord se frayer un chemin dans la jungle quasi inextricable des « Johnson » qui peuplent la terre du blues. Une fois sur place, il s’agit d’isoler la zone des « Luther » et quand on pense enfin toucher au but, se jouer d’ultime pièges comme les CV jumeaux ou, pire encore, les surnoms amovibles.

Lui, c’est Luther « Georgia Boy », alias « Snakeboy », Johnson. A ne pas confondre donc avec ses faux frères (« Guitar Junior », « Housrockin’ », …).

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Enregistrement : 4 au 9 octobre 1976 (Dan Hartman’s Studio, Westport, Connecticut)

Parution : mai 1977

Label : Blue Sky

Personnel :  Muddy Waters (chant, guitare), Johnny Winter (guitare), Bob Margolin (guitare), James Cotton (harmonica), « Pine Top » Perkins (piano) , Charles Calmese  (basse), Willie « Big Eyes » Smith (batterie)

Il aura donc fallu attendre 1977 pour entendre le blues de Muddy Waters sonner comme ça. Autant dire qu’on a bien failli ne jamais vraiment savoir. Pour cette seule raison Johnny Winter, instigateur et chaperon de ce come-back tonitruant, mérite notre reconnaissance éternelle.

Non qu’on ait manqué jusque là d’enregistrements du maître de Chicago. Entre les prises studio et les témoignages live, les multiples compilations quadrillant le terrain à partir de ses débuts chez Aristocrat en 1947 et la série de LP’s  inaugurée par le concert de Newport 1960, ce sont plus de 30 albums, pratiquement tous sortis chez Chess, qui témoignaient déjà, et souvent très bien, de la force du blues de Muddy Waters.

Mais aucun n’avait capté un moment d’excitation aussi intense. Jamais l’impact organique de Waters et le drive puissant de ses accompagnateurs n’avaient été approchés de si près. Au vu des dix dernières années d’une carrière et d’une production déclinantes, l’évènement tient du miracle. « Hard Again » porte bien son titre. Un album comme une embellie qui donne l’impression d’être cerné par un souffle vital, ballotté par d’impétueux courants échappés des entrailles des instruments, accroché à cette voix minérale qui tour à tour effraie et rassure.

Trente ans avant de découvrir à crue la véritable puissance d’irradiation de Waters. Allez savoir pourquoi sa musique n’avait encore jamais été exposée dans cet état. La volonté de ne pas effrayer le chaland ? Les limites techniques de l’époque face aux ondes proprement telluriques de la voix de Morganfield ? Le confort d’un contrat à durée indéterminée dans l’écurie  leader du marché ? Toujours est-il que son meilleur album jusqu’alors, le « Folk Singer » de 1964, bien qu’en tout point superbe, se montrait un brin trop pastoral pour témoigner du punch du bluesman de Rolling Fork.

Pour que la vigueur du sorcier du Delta soit enfin capturée dans la matière, il aura finalement suffi que ce grand escogriffe de Winter décide de réaliser son rêve, extirpe son héros de l’ombre et persuade Columbia de leur permettre de rembobiner en famille le cours de son blues.

Que Muddy n’ait pas beaucoup branché sa Telecaster de toute la session apparaît aujourd’hui presque anecdotique. De ce côté là, Winter à la slide et Margolin en lead se chargent de tout avec une classe indéniable. Et le résultat est proprement sauvage : 45 minutes et 23 secondes de fièvre noire qui vous laissent chancelant au pied de la platine. Le blues encore palpitant du Delta enfin reproduit à l’intention des masses.

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Enregistrement : 1990 – Parution : 1990 – Label : New Rose (label original : Antone) – Personnel : Jimmy Rogers (chant, guitare), Pinetop Perkins (piano), Derek O’Brien ,Hubert Sumlin, Bill Campbell (guitare), Kim Wilson (harmonica), Bob Strogher, Calivin “Fuzz” Jones (basse), Ted Harvey,Willie “Big Eye” Smith (batterie).

Sans l’oreille de Jimmy Rogers qui savait souligner un titre pour en tirer le maximum d’impact, sans cette guitare rythmique capable de donner le supplément de groove que la modernité exigeait, il n’est pas sûr que ces gars débarqués de leur campagne aient pu se transformer en redoutables « coupeurs de tête », surnom donné à la bande à Muddy à la fin des années 40, lorsqu’elle écumait les bars de nuit, le Do Dropp Inn ou le Club Zanzibar, boutant hors de scène des groupes résidents dépassés par la puissance collective du combo.

Nourri au son du Delta mais sensible à l’explosivité d’un Louis Jordan, Jimmy Rogers – au même titre que Little Walter à l’harmonica – a apporté à Muddy Waters l’ingrédient indispensable à sa pleine expression.

Pendant la décennie des lumières du Chicago blues, puis au moment du retour triomphal au milieu des années 70, le tandem Waters-Rogers a constitué un alliage miraculeux entre instinct et précision, émotion et harmonie. A une époque où la notion de solo de guitare existait à peine, c’est en entremêlant leurs jeux que ces deux-là produisaient avec leurs seules cordes les premiers gros transferts d’adrénaline.

Jimmy Rogers n’a pas enregistré une foultitude d’albums sous son nom. Il faut donc profiter de ces moments de grande classe qu’il a su reconstituer en quelques occasions.

Lightnin' Hopkins
Folkway Records

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Enregistrement : 16 janvier 1959 – Parution : 1959 – Label :Verve Folkways – Personnel : Lightnin’ Hopkins (voix, guitare)

Enregistrement : 16 janvier 1959

Parution : 1959

Label :Verve Folkways

Personnel : Lightnin’ Hopkins (voix, guitare)

Un chant, une guitare, un pied qui frappe le sol, Lightin’Hopkins. Le country blues, tout simplement. Difficile de trouver réunis un timbre de voix, un son et une pulsation qui traduisent mieux l’essence de cette musique. Difficile aussi de trouver un meilleur usage de l’économie des mots propre au genre.

Le bluesman texan a beaucoup enregistré, en électrique comme en acoustique, seul ou en petite formation. Quelques 1000 titres sur l’ensemble de sa carrière qui font de lui le bluesman le plus prolifique de tous les temps avec cet autre grand solitaire de John Lee Hooker. Autant d’histoires qu’il raconte comme une chronique de la vie ordinaire de la communauté noire et derrière lesquelles il n’a surtout pas cherché à faire évoluer son jeu. Heureusement.

Hopkins que l’on reconnaît dès la première frappe de cordes ou le premier accent de cette voix profonde et poignante. Il n’existe pas de disque décevant de Lightnin’ Hopkins, et chacun garantit sa dose de frissons, mais « The Roots Of Lightnin’ Hopkins » capture au plus près l’étincelle particulière du bluesman, ce qui en fait l’album fort de sa pléthorique discographie.

On est en 1959, et Lightnin’ a déjà eu une première vie lorsque Sam Charter le persuade d’enregistrer à nouveau. Le musicologue écrivain bat la campagne du vieux Sud depuis quelques années pour enregistrer des bluesmen du terroir. Il tient particulièrement à retrouver la trace d’Hopkins retourné à l’anonymat depuis le milieu de la décennie. Au prix d’un véritable jeu de piste, et après avoir repérer dans un premier temps sa guitare chez un prêteur à gage d’Houston, il finit par le débusquer dans une chambre de bonne d’un quartier pauvre de la ville.

Contre une bouteille de gin et avec un micro tenu à la main, Chapman enregistre sans préméditation neuf morceaux et un entretien dans la petite pièce du 2803, Hadley Street où vit le musicien oublié. Jouée sur une guitare d’emprunt, avec la bouteille près du pied de la chaise, dans la semi lumière de l’hiver texan, la musique d’Hopkins se livre jusqu’à l’âme, sans aucun apprêt.

Ce country blues considéré trop rustre et dépassé dans sa communauté d’origine au plus fort de la vague du rhythm & blues, va ressurgir de plus belle après cet enregistrement. Dès sa sortie, l’album et son auteur vont se retrouver portés par la vague revivaliste du début des années 60 qui redonne vie au folk-blues et le fait découvrir, avec toutes les conséquences que l’on sait, à toute une génération blanche. Une marque essentielle sur le chemin de la reconnaissance du blues.

Stevie Ray Vaughan
Texas Flood

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Enregistrement: novembre 1982 – Parution : 1983 – Label : Epic / Legacy – Personnel : Stevie Ray Vaughan (chant, guitare), Tommy Shannon (basse), Chris Layton (batterie)

Personne n’y croyait plus et ce gars-là est arrivé. Une guitare comme on n’en avait plus entendue depuis Hendrix et un blues  soudain propulsé là où nul ne pensait qu’il puisse jamais jaillir, en haut des pop charts.

En ce début des années 80, le rock doutait. Les punks avaient dévasté une grande partie des locaux et tout juste fini de brailler dans la cour. De son côté, le blues ronronnait sur ses douze mesures dans la nostalgie générale. Leurs étreintes passionnées de la décennie précédente avaient  fini par consumer les étoiles d’un blues-rock en quête d’identité. Les plus solides, (Clapton, Winter et Gallagher) étaient en pleine schyzo tandis que les plus fragiles avaient carrément sombré (Green, Buchanan). Quant à la guitare elle-même, si elle avait finalement survécu au tout synthétiseur post-punk, c’était pour tomber dans les mains des Van Halen, Saraceno – qui avait même le culot de se faire prénommer « Blues » – et autres Satriani.  De drôles de types au jeu bodybuildé et aux cordes propres sur elles.

Dans un tel contexte, Stevie Ray Vaughan fut une sorte d’extraterrestre. Et David Bowie, qui le mit en selle, un tout aussi inattendu talent scout. On connaissait le goût du Ziggy Stardust pour les contrées sidérales, moins pour le blues. Mais en homme de goût, il a invité le jeune prodige texan complètement inconnu  sur son album « Let’s Dance » et, du coup, changer le cours trop tranquille d’un blues menacé de fossilisation.

Car derrière cette pige de luxe, Vaughan va pouvoir monter son trio (avec Double Trouble), signer chez Epic et enregistrer ce premier album grâce à la générosité de Jackson Browne – lui aussi ébloui par la Stratocaster de Stevie lors d’une apparition au Festival de Montreux – qui prête son studio californien pour la session.

Un coup d’essai bouclé en trois jours, quasi live. Et un coup de maître. Dix titres d’une densité exceptionnelle. Un sans faute. Un jeu d’une modernité lumineuse, posé sur du blues véritable. Car, trêve de chamailleries et de bouches fines, ceci est du blues. Bien sûr, un blues qui a voyagé, observé le monde et ramené quelques souvenirs. Mais la génétique est incontestable. Ce n’est pas du rock passé au blues, ni du blues qui rocke, ni même du blues-rock. C’est le blues contemporain. Et la première véritable nouvelle vague de cette musique depuis la période West Side, vingt ans auparavent.

En écoutant ce disque – et cela aide à mieux comprendre  le pourquoi d’un son incomparable – il faut garder à l’esprit cette guitare montée avec des tirants surhumains, des câbles sur lesquels Vaughan s’éclatait les doigts mais auxquels il était capable d’imposer des bends monstrueux et des vibrato chavirants.

Howlin' Wolf
Rockin' Chair

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Enregistrement : 1957 à 1961 – Parution : 11 janvier 1962 – Label : Chess – Personnel : Howlin’ Wolf (chant, harmonica), Hubert Sumlin, Jimmy Rodgers, Smokey Smothers Willie Johnson (guitare), Abe Locke (saxophone ténor), Otis Spann, Hosea Lee Kennard, Johnny Jones, Kenny Gray (piano), Willie Dixon (basse), Sammy Lay, S.P. Leary, Fred Below, Earl Phillips (batterie)

Voici une bonne partie du trésor sur lequel une bande de jeunes anglais intrépides a mis la main au début des années 60. Du haut de ces 12 titres, c’est tout un pan de la musique moderne qui vous contemple.

Nous sommes ici au cœur d’une époque charnière. Un improbable processus de fertilisation croisée est déjà en route.

D’abord le rock’n’roll a surgi, blanchissant avec fougue le rhythm’n’blues des pistes de danse des ghettos noirs. Aussitôt des Chuck Berry et des Willie Dixon, qui n’ont pas leurs oreilles dans leurs poches, insufflent au blues originel, qui de son côté s’était réfugié au sud de Chicago, un peu de cette excitation juvénile venue des quartiers blancs. Et quand la première révolution rockabilly se résorbe dans la bien pensante Amérique, c’est ce blues là, tout juste coupé d’un doigt de pop, que les Rolling Stones, Yardbirds et autres Animals découvrent sans tabou et avec excitation. Ils vont alors en reproduire génialement l’essence pour une seconde révolution musicale qui, cette fois, va envahir le monde.

Au cœur de la transformation qui se concocte entre 1955 et 1962 dans le South Side de Chicago, on trouve une poignée de bluesmen encore pétris des racines du Delta.  Leur chance ? Etre trop frustres pour prendre le sillage d’un jump blues citadin lancé dans une course de vitesse et de dextérité. Leur recette ? Coller à la tradition mais monter le son.

Muddy Waters et Howlin’Wolf sont les incontestables leaders de cette forme de blues quasi régressive. Et l’incontournable Willie Dixon en est l’habile et discret cuistot. Le tout est concocté au sein d’un label génialement inspiré, Chess Records.

De ces monstres sacrés, Chester Burnett, alias Howlin’ Wolf, est le plus singulier. Visuellement et vocalement, rien ne lui a jamais ressemblé, ni avant ni depuis. Et de très loin. Deux mètres de haut, un quintal et demi, et le coffre trépidant d’une goudronneuse en action. Quelque chose à vous figer les sangs.

Des précautions sont donc à prendre. Si les amateurs de rock aguerris peuvent d’emblée adhérer à cette voix outre tombale assénant par jets rougeoyants ses blues puissants et râpeux, les âmes plus folk, les inconditionnels de Big Bill Broonzy où les fidèles de Lonnie Johnson, devront d ‘abord tester à faible volume. Certaines choses paraîtront ainsi moins effrayantes.

Cet album, sorti en 1962, compile une seconde série de singles* enregistrés par Chester Burnett. En 1959, une première moisson d’épatants standards avait déjà révélé une partie du répertoire du Wolf.

L’avantage de ce « Rocking Chair Album » (surnom donné pour la photo de pochette quelque peu décalée de Don Bronstein) est d’arrondir un peu les angles rugueux du premier LP.

C’est que cette fois les compositions de Willie Dixon dominent et confèrent à l’ensemble une tonalité un brin plus légère. Enfin, c’est une façon de parler, car faire face au blues du Wolf, c’est comme voir le ciel soudain s’éteindre et se retrouver d’un coup dominé par la masse sombre et grondante d’un orage déboulant au ras des toitures.

Albert King
Play the Blues for you

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Enregistrement : 1972 – Parution :1972 – Label : Stax Records – Personnel : Albert King (guitare, chant) et musiciens de Booker-T & The MG’s, Isaac Hayes Movement et The Memphis Horns.

A chaque King son royaume. Le chic frissonnant pour B.B, le fruité dynamique de Freddy et enfin la chasse gardée d’Albert, le sculptural organique. Du coup ces trois là ont annexé l’essentiel du territoire du blues moderne et marqué pas mal de terra nova côté rock. Avec quelques excursions supplémentaires pour Albert sur la face funk.

C’est justement là que se positionne sans ambiguïté ce « I’ll Play The Blues For You », enregistré en 1972 à Memphis, endroit spécialisé s’il en est dans les rencontres magiques : cuivres et cordes, soul et blues, et même noir et blanc.

Que les inconditionnels du son Stax, les accros à Booker-T, Donald « Duck » Dunn et Steve Cropper sachent qu’ici ils approcheront au plus près de cette texture incomparable qui fit chavirer une bonne partie de la planète une dizaine d’année plus tôt.

Otis Redding avait exalté sa soul dans ce chaudron étincelant. Albert King y trempe ici son blues. Et il pousse encore plus loin ce qu’il avait entrepris six ans plus tôt avec l’excellent « Born Under A Bad Sign ».

Là, on atteint des couches de ciel devenues moins fréquentées. On savait qu’Albert King possédait déjà une sacrée main gauche, un montage de cordes inversé et quelques tunings hors du commun qui lui permettaient de produire des sonorités pas vraiment ordinaires. Mais tout cela se trouve carrément magnifié lorsqu’on lui adjoint la crème du Memphis sound, l’élite de l’écurie Stax, le meilleur du meilleur côté soul incandescente, à savoir une sélection de sidemen en provenance directe des Bar-Kays, Isaac Hayes Movement et autres Memphis Horns.

C’est donc un Albert King à la palette renforcée que nous présente cet album. Son jeu prend ici une nouvelle ampleur. Porté par la densité de ce soutien rythmique hors du commun, son sustain s’allonge de plus en plus et investit l’espace de ces huit titres sans faille.